En el caso particular de Cali, el proceso de reactivación se ha ido acomodando lentamente entre los venues que cerraron definitivamente, los que se quedaron, y los que se reestructuraron. En general, hemos notado menos disposición para pagar por ver proyectos en desarrollo. Es decir, hacer escena al tiempo que se ha fortalecido notoriamente el sector de los covers. Por último, los precios de las cabezas de cartel se han duplicado de 2019 a la fecha, lo cual impacta en muchos esfuerzos de promotoría en Cali.

Es evidente que, con la reactivación de los espectáculos en vivo, la oferta y la demanda de conciertos internacionales y mainstream ha experimentado un crecimiento exponencial. Existen varias productoras exitosas y con una agenda de conciertos interminable. Sin embargo, hay algo que preocupa al sector, pues a pesar de la abundancia y consumo masivo de conciertos internacionales, se sigue percibiendo una falta de espacios adecuados para bandas locales. No obstante, la aparición de iniciativas como ferias musicales y espectáculos gratuitos dedicados al público en general en espacios abiertos están empezando a tener un efecto positivo en el desarrollo de nuevos públicos. Es decir, si bien existe un consumo considerable de eventos musicales masivos –especialmente en el ámbito internacional y mainstream–, se está trabajando al mismo tiempo desde lo autogestivo para construir paso a paso el consumo y desarrollo de nuestra propia escena musical.

Hay varios fenómenos marcados. El público tiene más hambre por los eventos en vivo y mayor disposición a gastar dinero en ellos. Por otra parte, casi todos los eventos deben ser para todas las edades, porque gran parte del público es menor de edad. También percibo que hay una mayor diversidad de proyectos (hip hop, pop, urbano, rock, cantautor, cuando antes eran mayormente de rock). También he visto que son menos recurrentes, es decir, son muchos proyectos diferentes en lugar de una ‘escena’ que repite con regularidad. Pareciera también que los proyectos más exitosos se comportan como influencers. Es decir, comparten mucho de su vida y sus opiniones, pero muy poco sobre su música, como si esta fuera sólo un pretexto para ver a una celebridad.

Como compositor de música contemporánea, las IA no afectan mi labor (y eso que utilizo mucho algoritmos y programación). La discusión actual está atizada por intereses y competencias entre ‘billonarios’ más que entre creadores. Desde el nombre: las redes neuronales y el aprendizaje de máquina (con el extractivismo de datos y consumo de gigawatts que implican) pueden ser herramientas útiles en algunos campos (detección de tumores en medicina, por ejemplo, o síntesis de audio en la música), pero eso no significa que sean ‘inteligentes’ (los modelos de lenguaje comunican pero no por eso son inteligentes) y lo ‘artificial’ no deja de involucrar a humanos (que seleccionan, calibran y censuran información). Para mí, lo que hace valiosa a la música tiene que ver con interacciones de índole muy diferente.

Pienso que la discusión sobre el uso de IA para componer canciones debe centrarse en las regalías y los derechos de autor. La procedencia del algoritmo para generar estas composiciones plantea una disyuntiva real. Utilizar el trabajo de miles de creativos para aprender y reinterpretar conlleva una desventaja natural debido a la capacidad limitada para procesar información de un humano frente a una máquina. De ahí que esto me parezca injusto. Considero necesario establecer regulaciones que otorguen mayor porcentaje de regalías a las composiciones humanas y que se remunere a los compositores de las cuales se han inspirado, especialmente si se utilizan con fines comerciales.

Creo que la IA será algo que poco a poco implementaremos en nuestro quehacer. Seremos creadores que utilizan una creadora (la IA) que construye a partir de lo creado por el ser humano. Como si “la empresa de la creatividad” simplemente se hubiese expandido radicalmente. Tal vez surjan nuevos lenguajes de canción, y se hará uso del reciclaje de toda la obra concebida hasta el primer cuarto del siglo XXI. Finalmente, también nos afectará por la manera en la que transformará al mundo, pues habrá nuevas temáticas y enfoques sobre los cuales escribir y cantar.

Pensemos un futuro con una inteligencia artificial suficientemente inteligente como para hacer música con una calidad que cumpla con las expectativas del ámbito comercial. Al día de hoy no se están cubriendo estos mínimos necesarios, tanto por la calidad sonora como compositiva. Ahora imaginemos el siguiente escenario: los creativos de una agencia de publicidad podrán pedir a un agente de IA una canción parecida a alguna canción del momento “pero que tenga más Bowie, más Selena, y un poquito de ‘punch’”. La IA podrá interpretar todas estas variables y dar resultados en minutos (y, además, no se va a reír del brief).

Desde lo que me toca no siento grandes cambios con respecto a cuestiones relacionadas con la toma de conciencia. Pero donde sí veo cambios es en el comportamiento de la gente al momento de comprar entradas: hay mucha menos compra el día del evento (es decir, prácticamente todo se vende de manera anticipada), y lo que he notado es que la gente compra la mayoría de las entradas justo al momento de lanzar la venta de boletos, por lo que los primeros días se han vuelto determinantes para diagnosticar cómo funcionará un evento.

Programo el Teatro Nacional Sucre en Quito, Ecuador, el cual pertenece a la fundación municipal Teatro Nacional Sucre y es gestionado con fondos públicos de la Secretaría de Cultura y del Municipio de Quito. La pandemia aceleró un proceso de reestructuración presupuestaria en la fundación y se ha reducido el aporte municipal con un exhorto a la autogestión con fondos privados y a privilegiar otras formas de financiamiento. Esto ha fortalecido la cooperación con organismos internacionales y nos ha obligado a explorar más ayudas para la circulación y para posibilitar las contrataciones. Como contraparte, artistas, managers y gestores han mostrado apoyo e interés en gestionar el financiamiento de sus viajes, pero urge el desarrollo de mecanismos que respalden los compromisos adquiridos. Otro fenómeno interesante de la post pandemia ha sido el fortalecimiento del ecosistema local con la aparición de mejores fondos públicos para la movilidad o la infraestructura, lo cual ha motivado la profesionalización del sector.

Al principio del regreso post-pandémico todos creíamos que nunca volvería a ser como antes. Teníamos miedo de que se tuvieran que adoptar nuevas medidas o costumbres que nos hicieran vivir de una manera distanciada o fría los espectáculos públicos. Sin embargo, a varios meses del regreso, el único cambio ha sido que el público se desborda con más pasión y urgencia por vivir la experiencia. Se nota en bandas, organizadores y audiencia un hambre voraz por los shows y festivales en vivo y el contacto físico basado en la música.

Nos obligó a cambiar provisionalmente el Festival de la Música del Pacífico Petronio Álvarez hacia un formato digital. Esto permitió ampliar nuestras redes de colaboración e intercambio y facilitar la circulación y la promoción. Nos acercamos a otros festivales afrodiaspóricos, haciendo jornadas de campo sobre cómo producir, financiar, programar y comunicar un festival de esta índole. Con Feira Preta, de Brasil, generamos un campamento virtual con los equipos de ambos festivales para construir conocimiento en común, lo cual devino, ya presencialmente, también en un intercambio de artistas. La pandemia nos permitió reflexionar sobre otros aspectos más allá de la producción y la programación, y pudimos insertarnos en otros mercados de artes escénicas como el de Costa de Marfil, Mapas y Bime, entre otros. Además, ayudó a relacionarnos de manera más directa con otras tecnologías que han permitido enriquecer la puesta en escena del festival.

Impactó en los tiempos de trabajo y en tomar la empatía como eje. ¿Cómo? Buscando que los equipos funcionen como una red de cuidados. La industria es veloz, competitiva y exigente con lxs artistas y, como manager, demanda atención y agilidad para aprovechar oportunidades. La precariedad nos orilla a un ritmo de trabajo sin pausa. Y si bien la pandemia nos golpeó duro, al menos a mí me permitió poner los procesos al centro como un logro, volver a confiar en mi visión a largo plazo, ser paciente, y enfocarme en construir narrativas, audiencias y alianzas sólidas. También reestructuramos los equipos de trabajo con más mujeres, y ofrecemos formación en nuevas masculinidades a nuestros compañeros varones, pues los cuidados mutuos y la empatía permiten trabajar más humanamente… y con menos urgencia.

Lo más notorio ha sido el desafío en cuanto a promoción: ¿cómo llegar a tu público en medio de tanta información y de la sobre oferta? El reinado de TikTok –en cuanto a las posibilidades de marcar pautas, independientemente de la novedad o del contenido que se muestra– es prueba de ello. Reducir la distancia entre artista y público de manera orgánica, en un ecosistema donde reina la pose y los filtros, es un reto que deja en manos de los propios artistas un trabajo que los distrae de su creación para ubicarlos en un universo que les exige estar conectados y generando contenidos –sin traicionar sus principios, idealmente– que se consumen en un segundo

Percibo que la brecha entre lo que está probado que funciona y los artistas emergentes se ha polarizado mucho. Los números definen la toma de decisiones, y prácticamente no hay canales para producir interés o atención por proyectos valiosos si no han reflejado su valor mediante cifras. Entiendo que todo mundo quiere reponerse del golpe económico que significó la pandemia, pero es frustrante sentir que hay poco o ningún espacio para sembrar y generar un círculo virtuoso de crecimiento.

Destacaría dos cosas. Por una parte, la gente está temerosa por las cancelaciones de eventos, ocasionando que el público apueste por comprar los boletos de inmediato o hasta el último momento. Y esto enrarece la percepción de cómo va a salir un evento. Por otra parte, percibo más hambre por estar en contacto con la banda, por la experiencia del show y la interacción con el artista. Hay disposición para pagar más, siempre y cuando se establezca este contacto y se genere una sensación de comunidad. Creo que el primer punto es transitorio, pero si el segundo se trabaja bien, será una oportunidad a la que habrá que poner atención.

Cuando los proyectos empiezan a circular suelen enfocar su atención a los eventos, y no al contenido. En este sentido, mi consejo es registrar todo a tiempo, nunca se sabe qué puede pasar y la persona que tenga el respaldo legal será quien posea los derechos. Registrar es muy sencillo, incluso el INDAUTOR y el IMPI (en México) ofrecen guías paso a paso. También es muy importante que leas a detalle los contratos y te asesores con un profesional. Cada vez hay más abogados dedicados a derechos de autor e industria del entretenimiento que te pueden ayudar a revisar contratos importantes antes de firmarlos.

Reducir costos y aumentar la efectividad de un proyecto musical implica identificar la célula mínima necesaria. Como solista, estar solo en el escenario es mucha responsabilidad, toma clases para mejorar habilidades En una banda, reduce costos resolviendo distintos roles al interior, incluye al ingeniero de sonido y suma al ultrafan más inteligente y comprometido. Cuando determines tus honorarios, incluye los gastos de viaje y rider manteniendolos razonables. Es común pensar que necesitas un manager que resuelva y eso es posible hasta que el proyecto sea rentable.

Las giras son procesos a mediano plazo que requieren paciencia y mucho trabajo, por ello la gestión de relaciones, recursos y comunicación son puntos clave para cumplir los objetivos de los artistas. Estar seguro de tu producto es la mejor arma para llegar a nuevos públicos. Las giras suman experiencia al proyecto y es importante conocer el territorio y proyectos afines. Usa Internet para promocionarte y hacer networking. En eventos, interactúa con el público y promociona en espacios públicos. Mantén la comunidad y sé auténtico.

Si tienes varios formatos de rider y número de músicos, podrás atender distintas oportunidades sin malgastar recursos. Siempre viaja con un ingenierx para agilizar las cosas. De ser posible, asigna distintos roles a los integrantes fuera del escenario para controlar los gastos de la gira. Investiga el lugar de presentación para identificar particularidades de tu repertorio que puedan tener mayor impacto en el tipo de evento y audiencia. Busca colaboraciones o interacciones con las escenas locales, dentro o fuera del escenario, para maximizar los resultados de la visita.

Creo que cada camino que un artista busque desarrollar es válido y de mucho interés. Cada estilo musical y personal trae un proceso diferente. Sin embargo, creo que conocer el territorio específico que quieres desarrollar es fundamental. Latinoamérica es un territorio muy amplio y diverso, por lo que escoger qué regiones en particular quieres trabajar, definir un por qué, e intentar conocerlo antes de trabajar en él, es clave, el siguiente paso será encontrar colaboradores para tener un mejor entendimiento y conectarte con una red local.

Tener project managers locales. Por más pequeño que sea el proyecto, el hecho de tener equipos de trabajo específicos para cada país ayuda a abrir ciertas puertas que alguien como extranjero no tendría. No se necesita contratar varias empresas de distintos rubros, puede empezar siendo una persona en específico, y después crecer el equipo de trabajo. Esto ayuda también a entender las necesidades de cada país, algo fundamental ya que tomarlas en cuenta puede hacer la diferencia entre fortalecer o dañar la relación con otro país.

No hay mejor estrategia de marketing que encontrar una voz propia, un distintivo con respecto a lo que hay en el mercado. En teoría no debería ser tan complicado ya que todos los seres humanos somos únicos e irrepetibles. Si hiciéramos de nuestra música un espejo de quienes somos encontraríamos esa distinción sin problema. Una vez que hayas identificado cual es tu voz, tu identidad musical, entonces es momento de pasar al mundo de las “pautas” en redes sociales y plataformas, y poner mucha atención a dónde resuenan tus canciones.

Algo fundamental para que la música cumpla su objetivo en cualquier territorio. Muchos dejan de lado lo importante que es la fuente, el sonido. Cada instrumento o elemento sonoro debe tener un carácter propio ANTES de ser microfoneado. El micrófono captará si la fuente es buena, y realzará sus cualidades. Otro consejo es componer canciones tomando en cuenta el rango armónico del vocalista, y acomodar las octavas / armonías en función de eso, esto hace más fácil la mezcla tanto en vivo como en la grabación.

Cuando hablamos de comunicación muchas veces olvidamos pensar en los tiempos de exposición de nuestro material, así como la percepción que un medio puede tener del mismo. Cuando decides sacar uno o dos sencillos, y luego presentar tu disco, no sólo debes pensar en los tiempos de las plataformas y de la estrategia de marketing, también debes contemplar la comunicación después del lanzamiento. Los tiempos de creación no deben imponerse a la estrategia general para posicionar a una banda, un disco o un sencillo.

Como ingeniera de Front Of House una “crea” basada en el tiempo que tiene para resolver un show. ¿Qué es lo mejor que puedo hacer con lo que tengo? ¿Cuánto tiempo habrá para montaje y soundcheck? Primero ecualizo y ajusto sala para que suene lo más parecido a mi referencia. Es fundamental un montaje eficiente. Por el tipo de bandas con las que trabajo, si no hay mucho tiempo resuelvo primero la voz principal y base, y después el resto de los instrumentos. La preproducción es clave para tener orden y no abrumarse.

En cualquier proyecto creativo se debe buscar un equilibrio entre los tiempos y la calidad de los resultados. La inmediatez que requieren las masas de consumo obligan, en muchas ocasiones, a tener piezas efímeras que pasan desapercibidas, por lo que siempre recomiendo negociar (hasta con uno mismo) y ser firmes en cuanto a los tiempos de entrega Es fundamental saber poner límites en nuestro trabajo y así evitar bloqueos mentales o resultados triviales.

Me funcionó calendarizar con anticipación y entender los ciclos a los que uno se enfrenta. ¿Mis consejos? 1) Define un horario para crear. La mitad del día trabajo cosas de oficina, y si me queda energía, generar maquetas (ayuda como ejercicio, aunque no las termine). 2) Planea con anticipación lo que quieres lograr y tener un espacio apto para trabajar. 3) Colabora con otros proyectos, algo que detone creatividad y puedas explorar otros enfoques. 4) Rodéate de gente que también le guste trabajar, desarrollar ideas y apoye para sacar adelante tu proyecto.